Novo na sala de corte? Precisa de um pequeno conselho? Aqui estão os nove cortes essenciais que você deve conhecer ao editar um projeto de filme ou vídeo.
Imagem da capa via Joan B.
Não importa qual NLE você use, os cortes de edição funcionam em todos os programas. Eles são ferramentas para contar uma história, e essa história pode mudar drasticamente dependendo do tipo de corte que você usa. Depois de entender esses nove cortes essenciais, você poderá fazer mais com suas edições do que simplesmente unir cenas. Vamos dar uma olhada.
1. Corte padrão
Este é o corte que todos nós conhecemos e amamos. É provavelmente o corte mais usado lá fora, e você pode pensar nisso como “Shot-Reverse Shot”. É a continuação do clipe anterior de um ângulo diferente – ou uma maneira de reunir duas fotos diferentes. Se você acabou de colocar um clipe ao lado de outro, utilizou um corte padrão. Esse corte é ótimo quando você tenta manter as coisas simples.
2. Jump Cut
Existem dois tipos de cortes de salto: um que parece bom e outro que não. Os que não parecem bem cortados durante o diálogo de um ator ou são de alguma forma chocantes. Mas, nos últimos anos, o corte do salto foi transformado de um corte ruim em uma maneira fácil de emagrecer a longo prazo. A única maneira de esse tipo de corte funcionar, porém, é quando você o amarra com outra coisa, como uma trilha sonora que toca por trás dos cortes.
3. J-Cut
O J-cut é uma ótima maneira de conectar dois clipes que, de outra forma, não iriam juntos. Você simplesmente pega o áudio do clipe de cauda e o deixa sangrar no primeiro clipe. Ao estender o áudio para a esquerda, você verá uma pequena semelhança com a letra J na sua linha do tempo. Isso ajuda a mergulhar o visualizador no próximo clipe antes que ele apareça.
4. L-Cut
Este é o oposto do J-cut. O corte em L estende o áudio do primeiro clipe para o clipe de cauda. Esse corte é essencial em cenas com diálogos pesados, porque rompe a monotonia de uma conversa de tiro reverso. Esse corte também permite mostrar reações imediatas, em vez de se afastar do ator que fala.
5. Corte em ação
Ao editar uma sequência de ações, é sempre uma boa idéia misturar os cortes da maneira mais perfeita possível. Para cortar em ação, você mescla dois clipes cortando entre eles durante um momento de ação. Isso une os dois clipes e engana o público a ignorar o corte. É uma escolha perfeita para uma cena de luta ou uma sequência de perseguição.
6. Corte transversal
Um corte cruzado esmaga duas perspectivas em uma sequência. Esse corte pega duas perspectivas diferentes do seu mundo narrativo (como um personagem perseguindo outro) e as une cortando entre cada uma. O público conectará automaticamente as duas perspectivas como um todo, uma vez que as estão assistindo em tempo real.
7. Cutaways
Os cortes, também conhecidos como “estabelecimento de tomadas”, mostram o ambiente da narrativa. Essas cenas estabelecem a localização dos personagens e ancoram seu público em seu mundo narrativo. Apenas certifique-se de não demorar muito nessas cenas ou corre o risco de perder a atenção do seu público.
8. Montagem
Deseja abranger dias, meses ou anos em uma sequência de 45 segundos? Então a montagem é o que você precisa. Eles são uma ótima maneira de mostrar a passagem do tempo – ou um período de crescimento. Pegue uma série de clipes que mostram o progresso do seu personagem, mergulhe em algumas músicas inspiradoras e você terá uma montagem que deixaria Rocky com ciúmes.
9. Match Cut
O corte de correspondência é uma das maneiras pelas quais um editor pode realmente flexibilizar suas costuras criativas na pós-produção. Faça um clipe de alguma ação e corte imediatamente para uma cena diferente que corresponda a essa ação. Se você precisar de uma referência para este corte, confira o mais famoso de todos: o Lawrence da Arábia corte de correspondência (com uma correspondência literal).
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